EINA Edit en ArtsLibris ARCOmadrid - 2023

Abesti Gogorrak (Siete Centos). 2023

La práctica de Asier Mendizabal (Ordicia, Guipúzcoa, 1973) aborda la producción de forma en relación con el discurso y la ideología, orientando su investigación hacia la confluencia de abstracción estética y concreción histórica. Prestando especial atención a la cultura vasca, a sus paradojas históricas y sus manifestaciones truncadas, Mendizabal sitúa frecuentemente su trabajo en diálogo con lugares y contextos históricos específicos, también con el trabajo de otros artistas. Tomando como punto de partida el paradigma escultórico, pero también sus ampliaciones en la escritura, el textil, la fotografía o el collage, el artista indaga en la potencialidad de los materiales, sus mutaciones y sus permanencias en el tejido social.

La pieza gráfica Abesti Gogorrak (Siete Centos) es una carpeta de siete xilografías monocromas que toma como punto de partida un acervo léxico a la vez concreto y ambiguo: las palabras y expresiones en euskera de las que se servía el escultor Eduardo Chillida (Donostia-San Sebastián, 1924 - 2002) para titular sus propios trabajos. Este material, extraído de publicaciones artísticas existentes, ha sido reensamblado a modo de poema concreto en siete estancias. Mendizabal emplea el cento o centón —un tipo de composición poética clásica en que el autor utiliza exclusivamente versos ajenos— como método de composición para explotar el potencial expresivo de ciertos errores de transcripción presentes en el material original y que pasaron desapercibidos en sucesivas ediciones históricas. Conjugando reflexión poética e ironía identitaria, el artista resalta lúdicamente la exotización a la que se expone una lengua que ejemplifica, como pocas, la resistencia cultural a la opresión a lo largo de siglos. La obra pone de relieve —literalmente— el valor simbólico de las palabras, tanto más cuando su significado es opaco o permanece oculto. Así, interroga la economía misma del lenguaje poético, y también su autoridad cultural. 

Históricamente, los centones eran poemas hechos a partir de fragmentos de otros poemas, producidos a menudo como homenaje pero también a modo de parodia. Proviniendo del griego antiguo, se llamaban también centones a mantas o capas hechas de varios retales, usados en situación de conflicto a modo de protección de flechas enemigas. Es así como Abesti Gogorrak (Siete Centos) evoca un principio no solo textual sino también textural y textil, empleando la composición como lo haría con fragmentos de tela, de retazos y masas de significado. A través del collage y la transferencia de un material a otro, de un lenguaje a otro y de sus intersticios, el artista se sitúa entre la crítica política y la ironía, explorando la perennidad de la escritura y la fragilidad del lenguaje como lo que él mismo denomina un registro de extrañeza.

Abesti Gogorrak (Siete Centos) de Asier Mendizabal. 2023 (Foto: Anne Roig)

Cómo percibir el complementario. Clase práctica de Lindsay Kemp y Colita en el Teatre Lliure (1977). Archivo EINA. 2023

La práctica de Lola Lasurt (Barcelona, 1983) se interesa por el evento histórico y la memoria como procesos imbricados, repetitivos y frágiles, en constante proceso de revisitación y cambio. Trabajando desde la investigación de archivo, la artista emplea el formato del friso histórico regularmente en sus obras para encauzar los resultados de sus observaciones en formatos que van de la pintura al dibujo. Utilizando el color de modos que remiten a las doctrinas clásicas, románticas y modernistas del cromatismo, la artista analiza el valor performativo tanto de la producción como de la percepción estéticas, lo cual le lleva a prestar especial atención a disciplinas como la coreografía y la danza.  

En este díptico serigráfico, realizado en el marco de EINA Edit, Lasurt rescata un documento fotográfico relativo al taller que el bailarín, coreógrafo y mimo Lindsay Kemp (Birkenhead, 1938 – Livorno, 2018) impartió con estudiantes de EINA en diciembre de 1977. La fotografía fue tomada por Colita (Isabel Steva y Hernández; Barcelona, 1940), célebre fotógrafa de la transición política y cultural española que prestó gran atención a las artes vivas de su tiempo. El friso de Lasurt está formado por una serie de tres dibujos a medio camino entre fotograma y esbozo, extraídos de una única imagen. Debido a su saturación, las estampas de fondo verde generan pictóricamente un halo magenta sobre los contornos blancos de cada dibujo; la paradoja óptica hace inevitablemente pensar en tratados como La teoría de los colores de Goethe o Interacción del color de Josef Albers, que marcaron en sus respectivos momentos la concepción moderna del cromatismo. 

Partiendo de una investigación continuada sobre la memoria, la artista usa la complementariedad de los colores para evocar tensiones de orden político. Explícitas o silenciadas, las luchas de género que marcaron los años de la transición —y en las que tanto Colita como Kemp se involucraron activamente— subyacen a estas imágenes y nos recuerdan su vigencia actual. Aquí, el acto coreográfico y el fotográfico así como el proceso de estampación se sitúan también complementariamente, para resignificarse a través del ritmo, la representación y la repetición. Baile, imagen y gesto gráfico revelan su dimensión performativa como actos en constante mutación y repetición; todo esto a través de la imagen de un proceso variable —un taller y no una coreografía terminada— más que de resultado inequívoco. Cómo percibir el complementario actúa a la vez como carta de color y documentación histórica de un fragmento de representación coreográfica. Así subraya la importancia de la percepción de género en un contexto de urgente encuentro con el otro, precisamente en tanto que opuesto o complementario.

Cómo percibir el complementario. Clase práctica de Lindsay Kemp y Colita en el Teatre Lliure (1977). Archivo EINA de Lola Lasurt. 2023 (Foto: Anne Roig)

Constelaciones. 2023

Desde la década de los noventa, Regina Gimenez (Barcelona, 1966) se ha consolidado como una de las artistas catalanas más activas en la escena artística tanto a nivel local como internacional.

Mediante la apropiación de elementos extraídos de su contexto original como antiguos mapas mudos o libros de geografía y cosmología, y su reorganización en nuevas composiciones, Regina Gimenez desarrolla a través de sus obras una investigación en torno al aspecto estético y formal de las representaciones gráficas. Una exploración que da como resultado un mundo de colores y formas geométricas de gran belleza y sencillez, a través del cual se materializan diálogos universales como la abstracción y la figuración, el color y el blanco y negro o el todo con el fragmento. Se trata de un cuerpo de obra versátil compuesto por objetos de diferente naturaleza, desde pinturas sobre tela y collages sobre papel a obras textiles, pasando por otros materiales y técnicas como el metacrilato o la fotografía. Es por ello que, además de su producción pictórica, cabe también destacar el interés de la artista por la edición de libros de artista y edición de obra gráfica, así como su tarea docente en el ámbito universitario.

“Sobre la reproducción de una antigua lámina de dibujo infantil, diseñada para realizar un trabajo limpio y ordenado, muy valorado en la escuela, la manipulación lúdica de un conjunto de formas recortadas y desechadas en el suelo de mi estudio desbordan la línea, agrupándose como las estrellas en una región celeste para formar aparentemente una figura. Una analogía con las prácticas infantiles, un juego sin reglas, con el azar como protagonista”, Regina Gimenez sobre su obra Constelaciones.

Constelaciones de Regina Gimenez. 2023. (Foto: Anne Roig)

Brossairum. 2023

Andreu Balius (Barcelona, 1962) realiza su actividad profesional como diseñador de tipografía en Typerepublic, estudio que fundó en 2003. Ha desarrollado proyectos tipográficos desde comienzos de los años 1990 y fue co-fundador del estudio de diseño (tipo)gráfico Typerware, 1993. Es miembro de la Association Typographique Internationale - ATypI y de la AGI (Alliance Graphique Internationale) desde el año 2010. Ha obtenido varios premios entre los que destacan varios «Excellence in Type Design» otorgados por Type Directors Club y por la Association Typographique Internationale - ATypI. Su trabajo ha formado parte de exposiciones y publicado en catálogos y revistas especializadas.

La composición tipográfica abstracta Brossarium ha sido realizada a partir de la tipografía Brossa, que Andreu Balius diseñó en 2021 para la Fundació Joan Brossa. Es una letra de palo seco basada en los diversos modelos de letra que utilizaba el artista en sus poemas visuales (Akzidenz Grotesk, Folio, Universo, Helvética, Futura). 

Brossarium de Andreu Balius. 2023 (Foto: Anne Roig)